凡是文人作的画，都叫「文人画」？还是只有表现出高尚的人品、学问、才情的作品，堪称文人画？抑或不均形式、逸笔草草，以「游于艺」的态度创作的画，算是文人画？

　　虽然对于「文人画」定义的争论很多，但是当我们细细分析文人画的特质时，却可能惊讶地发现，不论在学习方法、使用工具、用笔技巧、表达形式，乃至创作态度上，文人画都与书法息息相关，我们甚至可以说：文人画是中国文人由书法中发展出的一种特殊表达形式！

　　古代文人绘画和书写的工具完全相同

　　谈到书画，几乎人人都知道「书画同源」这句话，问题是为什么书画同源？又为什么古人总是强调「善书必能善画，善画必能书」？许多人对于这个问题的解释是，因为中国文字由象形发展而来，所以书法也是一种国画，自然书法的线条容易带入绘画，绘画的用笔也有助于书法。

　　这样说，只答对了一半，因为他忽略了其间最重要的││工具。试想，如果书法的文房四宝与绘画的笔墨纸砚，不是完全相同，中国画家用扁平的刷子、油画颜料和画布作画，无论画家是不是文人，或是否擅长书法，书法的用笔技巧，又可能被带入绘画中吗？

　　「书法」的发展远在「画法」之前，画家往往是文人，一个人又总是先学书，然后才习画。文人在舞文弄墨、吟诗作赋之余，用所谓的剩笔残墨，简简勾上几笔，聊以写「胸中逸气」，多下的空间，再题上自己作的诗词，或请几位朋友酬唱，也各题上几句，自然「石如飞白，木如籀」，将书法中的领会，带入了绘画中；使书写的工具成为绘画的用具，造成诗书画一体的呈现。

　　绘画成为文学的附庸

　　但是从另一个角度想，绘画也便成了文学的附庸、「诗余」或「文余」的附产品，自史文人画家，就很少以尊崇的态度来看待画。正因此，自己的画，可以请朋友题诗，前人的画作，自己也可以在上面题赞、钤印，古人画论中，更不断地强调「画法与诗文相通，必有书卷气，然后可以言画」（王原祁）、「其为人也无文，虽有晓画者寡以」（邓桩）、丹青犹文也（黄伯思）。连溥心畬，虽然在绘画上的成就最高，自己仍要说：「我的诗第一、书第二、画第三」。

　　由此可知，文人画在文人心中真正的地位。也可以了解为什么国画以水墨为尚。道理很简单！作画在为文之后，用的工具正好相同，写字既然不必用颜料，作画也就省了！倒是因为文人常用朱砂眉批，所以顺便发展出朱竹或钟馗这类作品。

　　绘画与书法同样通过临摹来学习

　　书法既然都是透过临摹的方法来学习，与书法作为近亲的文人画，也就继承了这一点。书法临的是文字，绘画临的则是「介字点」、「梅花点」这些「符号」；书法有「藏头护尾」、「锥画沙」、「屋漏痕」的笔法讲求，绘画也自然有「方线、圆线」，「顺锋、逆锋」、「纯棉裹铁」的变化。

　　谈到临摹，有一个重要的条件，就是笔法愈来愈清楚，愈容易临，文人画中表现树叶的符号，多半是以中锋的用笔画成；岩石的皴法，虽然许多用了侧锋，也都合于清晰的原则。尤其重要的是中国山水画，一直发展到今天，多半画家仍然把「皴、擦、点」，这些用笔清楚的步骤，与「染墨」和「设色」分开处理。简单地说，国画家总是先画「点、线」，再染出阴阳明暗的黑白调子，最后才加彩色。这么一来，就更适于临摹了。反过来想，如果自古中国画家，就像西洋水彩画家一样，把明暗、色彩、线面，做同时的「融合」处理，国画的临摹必然产生问题，书法的用笔也必然不再容易用于画中。

　　绘画用的符号，相当于写作时用的文字。

　　国画家为什么要把「用笔」、「染墨」和「设色」分开呢？基本上源于他们「写」的观念。也可以说画家把「作画」看成「作文」，画上的符号成为了「文字」，作一张画，先要把符号「写」好。譬如前景以「披麻皴」简简地画几笔，上面加几根树干，添些像是「假睫毛」般的「松叶点」，和像「梅花瓣」的「梅花点」，远处再勾几笔山，山间加两条细直线，距山头不远处勾几条弯弯扭扭的细线，看来没几笔，对有欣赏能力的人，却能看出那是有飞瀑、云烟、树林的画面。

　　那些皴笔、勾云和点叶，与其称之为画，不如说是「文字」，或半文字的「图象符号」，欣赏的人看一张画，如同读一篇游记，只是透过图象符号的指引，去「再创造」自己的意象。

　　于是我们对文人画的特质，又有了进一步的认知，也可以了解为什么数百年来，文人画家死抱着那些古人造的「符号」，而不知脱身出来。

　　因为那些符号，是他们的文字，写文章既然用古人造的字，作画当然也可以！

　　我们更可以了解到，文人画不仅是空间艺术，也是一种时间艺术，不仅用来「看」，更要用心「读」；不只是「画」，而且是「写」。这也正是画家至今仍然在题画时，常不说「某某人画」，而用「某某人写」的原因。